Encounters in Tropenmuseum (Amsterdam)

Onverwachte ontmoetingen 
Tropenmuseum
30 november 2012 - 14 july 2013

The Tropenmuseum -previously the Colonial Museum- has always tried to give an impression of the contemporary.  But now the collections, built up over a period of 150 years, deal largely with the past. They stem from the high days of colonialism, from Netherlands East Indies and Suriname. Old collections from the former Artis museum also found their way here. But does old mean outmoded? History isn't separated from the present. Old objects tell about conflicts between cultures, decolonization, about power and its transience. They show us our view of the former world and give insight into how today's world originated. And because the present is constantly changing, we keep looking at "old" objects with new eyes.

El Tropenmuseum -anteriormente el Museo Colonial- siempre ha tratado de dar una impresión de lo contemporáneo. Pero ahora las colecciones, construidas a lo largo de un período de 150 años, se ocupan en gran parte del pasado. Se hacen eco de los grandes días del colonialismo, de las Indias Orientales Holandesas y Surinam. Viejas colecciones del antiguo Artis Museum también encuentran su lugar aquí. Pero, ¿lo viejo es anticuado? La historia no está separada del presente. Objetos antiguos hablan de los conflictos entre culturas, la descolonización, sobre el poder y su fugacidad. Nos muestran nuestra visión del mundo antiguo y dan una idea de cómo se originó el mundo de hoy. Y debido a que el presente está en constante cambio, seguimos mirando a los "viejos" objetos con nuevos ojos.


See parcour in 3D
http://www.youtube.com/watch?v=SChptuZLXuY

Image formation

Racial doctrine

Marlene Dumas (South Africa, 1953), Coloured Drawings, 1997

Marlene Dumas's work is often about how people look at each other. She makes prejudices visible and searches for the contradictions in them. With the portraits in the series Coloured Drawings, she wanted to present a cross-section of the multicultural society. The portraits are arranged as a group, making it tempting to look for physical similarities and differences in the facial expressions and complexions. But this in turn prompts questions about the legacy of ethnology, which continues in the tendency to categorize each other by type or as a cultural group rather than to appreciate the individual. The runny ink Dumas used for her portraits makes it impossible to judge the physical characteristicas of the people depicted.


El trabajo de Marlene Dumas es a menudo acerca de cómo las personas se miran el uno al otro. Ella hace visible prejuicios y busca las contradicciones en ellos. Con los retratos de la serie Dibujos Coloreados, ella quería presentar una sección transversal de la sociedad multicultural. Los retratos están dispuestos como un grupo, por lo que es tentador buscar similitudes físicas y las diferencias en las expresiones faciales y el cutis. Pero esto a su vez plantea interrogantes acerca de la herencia de la etnología, que continúa en la tendencia de categorizar a cada uno por el tipo o por su pertenencia a un grupo cultural en lugar de apreciar el individuo. La aguadilla que Dumas utiliza para sus retratos hace que sea imposible juzgar inicialmente las características físicas de las personas representadas.



Voices from the past

Willem G. Hofker, balinese landscape, 1848

Affandi Koesoema, Angry Mood (self portrait), 1948

Two works of art from 1948. Both are about Indonesia. One is seen from the colonizer's viewpoint, the other from the colonized. Having returned to the Netherlands two years earlier in 1946, after a stay of eight years in Indonesia, Willem Hofker sketched a tranquil, idyllic picture of Bali, completely in the tradition of the colonial East Indies art of painting. At that time there were military actions -the Nederlands wanted to suppress Indonesia's struggle for independence. In December that year, the Dutch army stormed and occupied Yogyakarta, the temporary capital of the independent republic and the city where the politically engaged artist Affandi lived. He painted this self-portrait, titled Angry Mood, in that period. In the top right-hand corner of the painting Affandi wrote: "Estudy of a discontented face. I'm learning how to depict a discontented face".

Dos obras de arte de 1948. Ambas son sobre Indonesia. Una vista desde el punto de vista del colonizador, la otra el de los colonizados. Habiendo regresado a los Países Bajos, dos años antes, en 1946, después de una estancia de ocho años en Indonesia, Willem Hofker esbozó una tranquila imagen, idílica de Bali, completamente en la tradición de la pintura colonial de las Indias Orientales. En ese momento hubo acciones militares -los Paises Bajos quisieron suprimir la lucha de Indonesia por la independencia-. En diciembre de ese año, el ejército holandés asaltó y ocupó Yogyakarta, la capital provisional de la república independiente y la ciudad en la que vivió el artista políticamente comprometido Affandi. Él pintó este autorretrato, titulado Mal Humor, en ese período. En la esquina superior derecha de la pintura Affandi escribió: "Estudio de una cara descontenta. Estoy aprendiendo cómo representar una cara descontenta".


Colonial panorama

Hongs at Canton, c. 1820

Stirling expedition group photo, New Guinea (Indonesia), 1926

Both works show Europeans confidently expanding their power and influence. The elongated format of the panorama seems to emphasize that feeling: take a look, here we are, in all our might! The Chinese roll painting, over tree yards long, gives a striking impression of eight European trading posts on a busy river. But, in fact, this is a small western enclave in an immeasurable large China. The enormity of the group photo is also impressive but this too is of a small group of westerners with dozens of hired Dayak porters entering the vast New Guinea.
The painting and the photo provide a compelling details. Not surprisingly, panoramic photos were very popular in the 19th century, as they brought the vastness of the world close to home.

Ambas obras muestran a los europeos en expansión con confianza en su poder e influencia. El formato alargado del panorama parece enfatizar esa sensación: "echar un vistazo, aquí estamos, en todas nuestras fuerzas!". La pintura tipo rollo chino -más de tres metros de largo-, da una impresión llamativa de ocho puestos de comercio europeas en un río ocupado. Pero, de hecho, este es un pequeño enclave occidental en la inmeasurable y grande China. La enormidad de la foto de grupo es también impresionante, pero esta también es de un pequeño grupo de occidentales con docenas de cargadores Dayak contratados para entrar en la vasta Nueva Guinea.
La pintura y la foto proporcionan detalles convincentes. No es sorprendente que las fotos panorámicas fueron muy populares en el siglo XIX, ya que trajeron la inmensidad del mundo cerca de casa.

Heri Dono (Jakarta, 1960)

Proklamasi, 2007

The Museum of Ethnography, 2001

The Museum of Ethnography, 2001 (detail)

Arte digital, arte poético

Total City, IVAM (Valencia, Spain) Mai, 5 - Juli, 15 2012

[then in english]

Entre mayo y julio de este año se ha celebrado en el IVAM (Valencia, España), una exposición colectiva bajo el nombre genérico de "Ciudad Total", comisariada por Miguel Angel G. Cortés, segunda parte de la exposición que tuvo lugar entre febrero y mayo de 2010 "Malas Calles" (según se dice expresamente en el folleto), y ya se sabe que segundas partes... Por eso me limito a traer aquí tan sólo algunas obras, todas ellas material videográfico. Se trata de los trabajos de Marina Chernikova "Urban Surfin II", HC Gilje "Shiva" y Jack Cronin "Invisible City", y en otro orden de planteamientos el trabajo vidiográfico digital 3D de Dionisio González "Cartografías para a remoçao. A cidade ajuntada".

Between May and July this year was held at the IVAM (Valencia, Spain), a group exhibition under the generic name of "Total City", curated by Miguel Angel G. Cortes, part of the exhibition that took place between February and May 2010 "Mean Streets" (as expressly stated in the brochure), and we know that sequels ... So i just bring here only some works, all video material. This is the work of Marina Chernikova "Urban Surfin II", HC Gikje "Shiva" and Jack Cronin "Invisible City", and in another vein approaches the 3D digital video work Dionisio González "Cartografias para a remoçao. A cidade ajuntada".

Marina Chernikova, Urban Surfing II (2007)

Marina Chernikova viene desarrollando una serie de fotografías y videos basados ​​en la exploración de la dinámica estructural de las megaciudades tradicionales culturales (Moscú, Roma, Tokio, París, Jerusalén, Amsterdam y Marsella). En este proceso creativo, los elementos de las arquitecturas culturales y heterogéneos son capturados en diversas ciudades e integradas en un conglomerado de imágenes para obtener nuevas formas, nuevas proporciones. Marina Chernikova experimenta todas las posibilidades ofrecidas por la manipulación digital de imágenes a fin de encontrar la forma visual informativa más densa posible.

Su obra, como la de tantos artistas de vídeo se puede encontrar libre en la red. En el caso de Urban Surfing II, a continuación incluyo una versión de primera mano -tengase en cuenta que lo que yo he subido a la red es una regrabación-. No obstante, aunque regrabación, tiene valor, ya que aquí se ve cómo la gente ve realmente el vídeo en un museo. Y en ese sentido hay que destacar que la forma como se ha presentado en el IVAM no permite un visionado tranquilo, ya que hay un exceso de obras en exposición (en el presente caso de pantallas de proyección de vídeo), que producen interferencias unas sobre otras, sin que eso sea algo querido por los artistas que las han realizado.

Marina Chernikova been developing a series of photgraphs and videos based on the exploration of the structural dynamics of cultural traditions megacities (Moscow, Rome, Tokyo, Paris, Jerusalem, Amsterdam and Marseille). In this creative process, the elements of cultural and heterogeneous architectures are captured in varios cities and into a cluster of images to get new forms, new proportions. marina experience all the possibilities offered by digital manipulation of images in order to find the information visually dense as possible.

His work, like that of many video artists can be found free on the net. For Surfing Urban II, then included a first-han version -bear in mind that what I have uploaded to the network is a recording-. However, while rewriting, is valuable, because here is really how people see the video in a museum. And in this regard it is notworthy that the form as presented in the IVAM does not allow viewing assured that there is an excess of works on display (in this case video projection screens), which some interference on other, without that being something desired by the artist who have performed.

HC Gilje, "Shiva" (2003)


Music by Kelly Davis

You can see more videos of HC Gilje in
https://vimeo.com/hcgilje

And photo-still in
http://www.flickr.com/photos/hcgilje/455133998/in/photostream/

Jack Cronin, "Invisible City" (2006)

You can see more videos of Jack Cronin in
https://vimeo.com/user3490266


Rosa Menkman, "Demolish the eerie void" (2010)

El vídeo de Rosa Menkman "Demolish the eerie void" [Demoler el sobrecogedor vacío] no se vió en  "Ciudad Total" en el IVAM, sino un año antes en las Atarazanas (Valencia), en la exposición de Observatori 2011 "Por error. El accidente como motor artístico", en la que tuvo un papel destacado trabajo encuadrables en el glitch art.

Sobre glith art véase
http://www.bitmondo.com/glitch-art-o-el-arte-del-error/

La presencia de este vídeo, que recrea una instalación multimedia, como colofón de esta recopilación, es muy procedente porque refuerza la idea común existente entre los restantes: ensoñaciones de fuerte contenido poético producidas con recursos que en apariencia tendrían que abocar a resultados "fríos", "impersonales", y otros adjetivos asociados al empleo de recursos electrónicos y digitales en el arte. Sin embargo, nada más lejos. Y ese desvío de los resultados que inicialmente cabía esperar tiene mucho que ver con la huída del juego espectacular con la tecnología y su empleo como si de un recurso pre-tecnológico se tratara. Como una aproximación a los paisajes de la Tierra Media que se avecina.

The video of Rosa Menkman "Demolish the eerie void" is not seen in "Total City" at IVAM, but a year earlier in the Atarazanas (Valencia), in exposing Observatory 2011 "Error. The motor accident as art", which was prominent works that can be ascribed to glitch art.

The presence of this video, which recreates a multimedia installation, the culmination of this collection is very appropriate, because it reinforces the idea between the remaining commom: strong dreams of poetic content produced with resources that would apparently lead to results "cold", "impersonal" and other adjectives associated with the use of electronic resources and digital art. However, nothing further. And this diversion of results initially expected have much to do with the light of the spectacular game with technology and its use as a resource if it were pre-technological. As an approach to the landscapes of Middle Earth tat lies ahead.

La Triennale Underground (Paris 2012) (2ª parte)

Wangechi Mutu, Suspended Playtime, 2012.

Mutu trabaja a menudo haciendo del cuerpo femenino cuestión central, y confrontando al espectador con "elementos como plantas o animales, entrelazados a patrones abstractos" [Hans Werner Holzwarth, ed. (2008): Art Now, Vol. 3, Taschen. pp. 332], que funden lo orgánico y lo surrealista con formas humanas. Ella ha utilizado predominantemente acuarela y collage sobre papel.

Sin embargo, más recientemente Mutu ha exhibido instalaciones escultóricas. "Suspended Playtime" (2008) es una serie de paquetes de bolsas de basura, envueltos en cuerda de oro como si estuviera suspendido en telas de araña, todo suspendido del techo sobre el espectador. La instalación se hace referencia al uso común de las bolsas de basura como pelotas improvisadas y otros juguetes de los niños africanos.

Para la presentación de "Suspended Playtime" en la Triennale de Paris 2012, la artista ha añadido a la instalación la proyección de un vídeo sobre un suelo de capas de papel en bruto, que registra la acción llevada a cabo por la propia artista en un paisaje agreste de los que caracterizan su pintura y obra gráfica orientada a las galerías, en el que se muestra llena de glamour -como las mujeres que aparecen en sus trabajos gráficos-, destrozando con los pies y las manos una tarta de chocolate de varios pisos, con la que podrían estar soñando los niños africanos que hacen pelotas con las bolsas de basura, influenciados por las películas de Hollywood.

Mutu's works often make the female body central, and confront the viewer with "plant-like or animal-like elements and intertwined abstract patterns" [Hans Werner Holzwarth, ed. (2008): Art Now, Vol. 3, Taschen. pp. 332], that merge the organic and the surreal with human forms. She has predominantly used watercolour and collage on paper.

More recently, Mutu has exhibited sculptural installations. Suspended Playtime (2008) is a series of bundles of garbage bags, wrapped in gold twine as if suspended in spiders' webs, all suspended from the ceiling over the viewer. The installation makes reference to the common use of garbage bags as improvised balls and other playthings by African children.

For the presentation of "Suspended Playtime" at the Triennale in Paris 2012, the artist has added to the installation of a video projection on a floor of rough layers of paper, which records the action taken by the artist herself in a the rugged landscape that characterize his paintings and graphic art oriented galleries, which shows glamorous women -as shown in his graphic- smashing with the feet and hands a chocolate cake multistory , with which they may be dreaming African children make balls with the garbage bags, influenced by Hollywood movies.

Sobre la artista / About the artist

Clemence von Wedemeyer, The Fourth Wall, 2008-2010.

El "Cuarto Muro" es como llama la gente del teatro al lado de la caja escénica que separa a esta del público. Un muro invisible pero real, que al separar la realidad de la ficción hace posible el engaño de la representación.

Esa idea, expresada en el mismo nombre de la instalación nos explica qué es. Aunque en apariencia pudiera parecer un trabajo más documental sobre el colonialismo, los otros, los desplazados, etc., en realidad el trabajo de Clemence von Wedemeyer toma esto como "tema" (como se diría en la crítica moderna) para presentar ante nuestros ojos, haciendolo visible, los entresijos de la representación. En ese sentido una obra emparentada con la de Alain Josseau [se puede ver en este blog, en la entrada de 21/5/2012].

Aunque, en el caso de Clemence von Wedemeyer la crítica a la representación lo es a la efectuada, no tanto por los poderes póliticos, como por la propia institución que lo alberga: el Museo, y otras instituciones dedicadas a la administración del conocimiento, incluidos los medios de comunicación especializados y científicos.

En ese sentido hay que valorar muy positivamente el nuevo elemento incorporado a la instalación con ocasión de su presentación en la Triennale de Paris. Se trata de la proyección de regrabaciones de la televisión, de youtube, otros materiales tomados de aquí y de allá (found footage), algunos con un contenido que es difícil discernir si es cierto o falso lo que se cuenta. Pero esa no es la única cuestión relevante. Siguiendo el propio método de Clemence von Wedemeyer, tenemos que plantearnos el propio dispositivo, que en este caso es el visionado de regrabaciones en el marco de un Centro de Arte Contemporáneo. Y en particular, cómo queda tras esta acción la preocupación existente -incluso en este tipo de centros públicos de investigación para las artes- por los derechos de autor. Al regrabar Clemence von Wedemeyer material procedente de otros medios, no hay sólo una renuncia a la autoría como un gesto, como el que practicaron los artistas del ready made o el found footage, sino que la renuncia a la autoría se hace performativa y por tanto ignora la aparente autoría "original" de otros.

The "Fourth Wall" is how people call the theater box next to the stage that separates this from the public. An invisible but real wall, which by separating fact from fiction allows the representation of deceit.

This idea, expressed in the same installation name explains what it is. Although on the surface might seem more documentary work on colonialism, the other, displaced, etc.., Actually the work of Clemence von Wedemeyer take this as a "theme" (as we say in modern criticism) to present before our eyes , making visible the intricacies of representation. In this sense a work akin to that of Alain Josseau [you can see on this blog, at the entrance of 21/5/2012].
 

Although in the case of Clemence von Wedemeyer's critique of representation is to the made​​, not so much by political as by the institution that houses: the Museum and other institutions involved in knowledge management, including specialized media and scientists.

In that sense must be assessed very positively the new element incorporated in the installation at its presentation at the Triennale in Paris. This is the projection of re-recordings of television, youtube, other materials taken from here and there (found footage), some with content that is difficult to discern if it is true or false what is told. But that's not the only relevant question. Following the very method of Clemence von Wedemeyer, we need to consider the device itself, which in this case is the viewing of re-recordings in the context of a Center for Contemporary Art. And in particular, how is behind this action the concern -even in this type of public research centers for the arts- for copyright. Clemence von Wedemeyer to re-recording material from other media, there is only a waiver of authorship as a gesture, as practiced by the artists of ready made or found footage, but the renunciation of authorship is performative and therefore ignores the apparent authorship "original" of others.

Eric Baudelaire, L'Anabase de May et Susako Shigenobu, Masao Adachi et 27 Années sans images, 2011.



La instalación se compone de una película super 8 y HD, 66 min., nueve posters serigrafiados y un libreto.


The installation consists of a 66 min. super 8 film and HD, nine silkscreen posters and a libretto.

 

Película Super 8 film

El libreto de la exposición / Printed libretto

(hacer click)

Carteles serigrafiados / Silkscreened posters

Se trata de unas serigrafías que, como las planchas para la elaboración de grabados, hay que buscar el punto reflacción de la luz para poder verlas.

This is a screen printing, as the plates for the production of prints, look reflacción point of light to see.

El concepto de Anábasis / The concept of Anabasis

Haroon Mirza, Cross Section of a Revolution, 2011.

Instalación sonora / Ars sonora.

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, A letter Can Always Reach its Destination, 2012.

Pour la Triennale de Paris 2012, les deux artistes présentent A Letter Can Always Reach Its Destination, qui enquête sur la structure narrative et l'impact humain de la fraude aux avances sur commission connue sous le nom «Lettre de Jérusalem», «Scam 419», ou «Arnaque nigériane»: autant d’appellations différentes, du XIX^e siècle à nos jours, pour désigner un même type d’escroquerie qui a trouvé en Internet un terrain idéal. Telles des bouteilles à la mer, en provenance essentiellement d’Afrique ou de Russie et à destination de l’Europe et des États-Unis, ces cybers attaques jouent de la crédulité des internautes: des lettres –devenues courriels– qui emploient toujours la même structure narrative et proposent à leur destinataire-victime de gagner beaucoup d’argent en commençant par en investir. Faussement intimes, désespérées au premier abord, parfois drôles et improbables, elles dissimulent des réseaux criminels prêts à tout pour soutirer de l’argent. Une fois le dialogue virtuel établi, les échanges engagent les protagonistes dans des situations souvent rocambolesques. Les artistes ont demandé à des acteurs de tous horizons de lire à tour de rôle une série de lettres, minutieusement sélectionnée. Le résultat est projeté dans un espace clos où les comédiens apparaissent tels des hologrammes –à la surface de l’écran– face aux visiteurs.

Triennale de Paris 2012 presents a video installation, A Letter Can Always Reach Its Destination, which investigates the narrative structure and the human impact of the advance-fee fraud commonly known as the “Nigerian Letter” or the “419 fraud”. This contemporary form of an older genre of confidence scam has been facilitated by the widespread use of email and the proliferation of various “email-harvesting” softwares. These cyber attacks, originating most often in Africa or Russia, prey on the gullibility of unsuspecting Internet users, and use the same narrative strategies previously employed in earlier, epistolary versions of the con: they aim to seduce the recipient (victim) into investing a large sum of money with the promise of windfall returns. Falsely intimate, often exuding desperation, sometimes to the extent of being comical or improbable, these emails protect the identities of hacker criminals who will go to any extreme to make their illicit profits. The artists turn their focus to probing these Kafkaesque parables: they asked a diverse group of actors to read, out loud, a series of these cyber-scamming letters that they have carefully selected, then project the footage, where the film’s actors appear as holograms on the surface of the screen.

An another work of Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Je veux voir, 2008.

La Triennale Underground (Paris 2012)

Se está celebrando en Paris la Triennale, "Intense Proximité", entre el 20 de abril y el 26 de agosto.

Los trabajos expuestos han sido repartidos entre la planta noble -la que se encuentra a la altura de la avenida del Presidente Wilson-, y las plantas inferiores, incluida la que se encuentra medio subterránea bajo la antigua sala de cine del Palais de Tokio, las cuales han sido inauguradas tras la reforma de la que ha sido objeto el centro de creación contemporánea, cerrado durante cuatro meses hasta su reapertura el pasado més de abril.

De esos dos niveles, nos vamos a referir primero al más profundo, al undergroung, que presenta más interés.

Paris is being held at the Triennale, "Intense Proximité" between April 20 and 26 August.

The works presented have been allocated between the main floor, which is at the height of the Avenue President Wilson, and the lower floors, including who is half underground, under the old theater of the Palais de Tokyo, which has been opened after the reform has been the center of contemporary art, closed for four months until it reopened last April.

Of these two levels we refer first to the deepest, the underground, which has more interest.

Camile Henrot, Coupé-Décalé (2011)

Como el vídeo que se adjunta está colgado en youtube, si entrais allí teneis posteado un texto que explica en francés y en inglés de qué trata el vídeo, según se cuenta en el Catálogo de la exposición. Aquí lo que daré es mi opinión. Aunque se ha convertido en un lugar común la introducción en exposiciones de arte comtemporáneo de vídeos con contenido etnográfico o antropológico, este presente dos cuestiones de interés. En primer lugar, hay un gadget al final (el momento en el que aparece uno de los miembros de la comunidad hablando con un móvil), que pone en evidencia, por un lado la contemporaneidad de las imágines a pesar de la presentación con estética vintage, y por otro lado, que no hay punto del planeta ajeno al desarrollo tecnológico en el campo de las comunicaciones. En segundo lugar, hay que destacar que, a pesar de esa penetración de la tecnología digital hasta en los ámbitos más remotos (en realidad en este caso no tan remoto, porque la ceremonia que muestra el vídeo es un clásico de los reportajes de lugares exóticos, por lo que me imagino que debe estar perfectamente integrado en los tours turísticos), pero a pesar de todo esto la costumbre del ritual permanece. Todo parece indicar que el fenómeno de la globalización significa simultáneamente, por un lado una extensión generalizada de algunas prácticas que se repiten invariblemente en todo el planeta, pero por otro lado también y al mismo tiempo, un mantenimiento incluso acrecentamiento de los rasgos más singulares de cada lugar, y no parece que sea tanto por un gesto de resistencia, como que parece que la globalización lleva implícitas ambas tendencias: la de la extensión y generalización de algunas formas de comportamiento que se convierten por tal motivo en universales, al tiempo que la diversidad, que se alimenta de la potenciación y divulgación de las singularidades de cada lugar.

As the attached video is posted on youtube, if you enter there you have posted a text that explains in French and English which is the video, as told in the exhibition catalog. Here is what I'll give my opinion. Although it has become commonplace in the introduction Comtemporary art exhibitions video ethnographic or anthropological content, the present two issues of interest. First, there is a gadget at the end (which appears when one member of the community talking to a mobile), which reveals, on one hand the contemporaneity of the images despite the vintage aesthetic presentation and on the other hand, there is no point of the alien planet to technological development in the field of communications. Second, it is noteworthy that, despite the penetration of digital technology to more remote areas in (actually in this case not so remote, because the ceremony showing the video is a classic stories of exotic places , so I imagine it must be closely integrated into the tourist tours), but despite all this the custom of ritual remains. It seems that the phenomenon of globalization means simultaneously, on one hand a widespread practice repeating some invariblemente worldwide, but otherwise well and at the same time, an increase of maintenance even the most unique features each place, and there seems to be both a gesture of resistance, as it seems that globalization has implied both trends: the extension and generalization of some forms of behavior that become universal for those headings, while the diversity, which feeds on the enhancement and dissemination of the peculiarities of each place.

Köken Ergun, Binibining Promised Land (2009-2010)

La presentación del trabajo de Köken Ergun en el Palais de Tokio está hecha en forma de instalación multimedia, con emisión de vídeo en un monitor de televisión y reproducciones de portadas de revistas algunas de la comunidad gay filipina en Israel y Tel Aviv en particular.

En la presentación que hago aquí de Binibining Promised Land, he querido evocar la espacialidad de la instalación hecha por Köken Ergun en el Palais de Tokio mediante una puesta en escena multipantalla. En una de ellas se ve la instalación tal y como está en el Palais de Tokio, en la planta -1 (o primera en el descenso hacia el subsuelo); en otra el vídeo mostrado en la instalación en un monitor de televisión, presentado aquí directamente en la pantalla incrustada en el blog, en primer plano; y en una tercera pantalla se ve un vídeo que muestra la Estación Central de Autobuses de Tel Aviv, la Tachana Merkazit en la que se desarrollan los concursos de belleza, y otras actividades que realiza el colectivo de inmigrantes/repatriados(1) filipinos, aprovechando que en el día del Sábat no hay actividad en la Estación.

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(1) Hay que referirse a inmigrantes y repatriados, porque en la tradición hebrea el regreso de los judíos a la tierra de Israel es una vuelta a casa. Y este es un tema que no puede pasar desapercibido en el contexto de un trabajo de investigación que indaga sobre las migraciones, el arraigo y el desarraigo. Seguramente ese es el motivo de la elección del título del trabajo para su presentación en el Palais de Tokio: Binibining Promise Land, porque esa tierra prometica es la tierra de Israel para los judíos.

The presentation of the work of Köken Ergun at the Palais de Tokyo is made in the form of media installation with video broadcast a television monitor and reproductions of magazine covers some of Philippine gay community in Israel and Tel Aviv in particular.

In the presentation I'm doing here of Binibining Promised Land, I wanted to evoke the spaciousness of the installation made ​​by Köken Ergun at the Palais de Tokyo through a multi-staged. In one of them the installation be seen as it stands at the Palais de Tokyo in the plant -1 (or first in the descent to the ground), in another be seen the video shown in the installation on a television monitor, presented here directly on the screen embedded in the blog, and a third screen is a amateur video showing the Central Bus Station in Tel Aviv, the Tachana Merkazit that develop the beauty contests and other activities of the gay and transgender immigrants/returnees(1) Philipinnes, taking advantage of the Sabat day of no activity on the Station.

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(1) Must refer to immigrants and returnees, because in Jewish tradition the return of Jews to the land of Israel is at home. And this is an issue that can not be overlooked in the context of a research project that investigates migration, roots and uprooting. Surely that is the reason for the choice of the title of the work for presentation at the Palais de Tokyo: Binibining Promise Land, because the promised land is the land of Israel for Jews.

Joost Conijn, Fiddieqa, Firdaus, Abdallah, Soelayman, Moestafa, Mawwa et Dzoel-kifl (2004)

Le film Siddieqa, Firdaus, Abdallah, Soelayman, Moestafa, Hawwa et Dzoel-kifl nous transporte, pendant 40 minutes (ici sont donnés 22 minutes) dans l'univers de sept enfants néerlandais, de trois à quatorze ans, élevés selon la religion islamique. Installés dans des caravanes de fortune, á l'écart d'Amsterdam, aux bords d'une zone squattée, ils vivent en totale autonomie, débarrassés de toute autorité parentale. En Peter Pan des temps modernes, chaque jour, ces enfants partent en expédition, avec pour seul de civilisation une station service.

The film Siddieqa, Firdaus, Abdallah, Soelayman, Moestafa, Hawwa and Dzoel-Kifl takes us for 40 minutes (22 minutes are given here) in the universe of seven Dutch children, three to fourteen, raised in Islam . Installed in caravans of wealth, away from Amsterdam, the edges of a squatter area, they live completely independently, free from any parental authority. Peter Pan In modern times, every day, these children go on an expedition, with the only civilization to a gas station.

Ivan Boccara, Mémoires de Ntifa (2011)

Dans Mémoires de Ntifa (2011) deux écrans indépendants se font face, l'un muet, l'autre sonore: des images du film familial silencieuses datant des années 1970 au Maroc, face á des images actuelles documentaires tounées en vidéo en France. L'installation montre une étape du processus de fabrication d'un film.

L’artiste questionne ces images muettes, il interroge ses parents, auteurs des images, et les protagonistes, la communauté juive d’un village de l’Atlas dispersée de par le monde. Ces images de mémoire sont présentées en vis-à-vis d’un matériau actuel de l’artiste et sont construites en résonnance «sonore» aux archives. L’artiste réactive les mémoires en confrontant les personnes retrouvées aux images de leur passé; ces mémoires familiales, millénaires, construites dans les déplacements, les migrations à différents moments de l’histoire, notamment les exils postsefarad et postguerres du xx^e siècle.

In Memoirs of Ntifa (2011) two independent screens facing each other, one silent and one sound: images from silent home movie from the 1970s in Morocco, opposite images tounées current documentaries on video in France. The installation shows a step of the manufacturing process of a film.

The artist questions these silent pictures, questions his parents—creators of the pictures - and the protagonists, the Jewish community of the Atlases, spread the world over. These images from memory are presented in a very real material form for the artist and are given resonance from the “sounds” of the archival footage. The artist awakens memories by confronting the rediscovered people in the pictures with their past: his family memories, over the millennia, built through cultural movements, migrations at different points in history, most notably the post-Sefarad exiles and those in the post-war 20^th century.

Hassan Khan, Jewel (2010)

La obra de Hassan Khan, Jewel, está gira por el mundo. Se ha presentado casi simultáneamente en la Triennale de Paris y en The New Musseum of New York.

"La vídeo instalación de Hassan Khan "Jewel" (2010, película de 35 mm transferida a HD) se abre con una nube de luces parpadeantes con una banda sonora -producida por el propio Khan- de zánganos hipnóticos. Pero pronto se descubre que estas luces no son estrellas o una aldea costera en la noche, sino un enjambre de horribles cara-colmillos de rape -el elegante brillo no es otra cosa que la luz emitida por el extraño crecimiento de sus ojos: un señuelo para la presa. Como un golpe feroz, la imagen de los rapes se hiela y se transforma, "fosilizándose" en un patrón de luces. La cámara se retira, y la silueta de los peces se muestra perforada en un objeto rotatorio tipo totémico como una bola de discoteca, alrededor de la cual dos hombres, uno joven y otro mayor, realizan una extraña danza de desesperado afán planificador, caen como elfos negros, se agarran y hacen gestos de azote. Parece una escena de algún tipo de siniestro ritual, sin embargo, es perfectamente viable en la subcultura árabe en la que colectivamente revela una respuesta a un colapso total -en el que bailar, agitando las extremidades en el aire, se convierte en un potente y eficaz performance de gestos inútiles. Moviéndose con la ambivalencia de las marionetas al mando de las fuerzas que no son suyas, el trabajo llega a su fin con la escena poco a poco alejándose en la oscuridad en un travelling continuo único. ¿Qué es lo que persigue a estos hombres y les obliga a actuar, a moverse?" [extraido de http://www.re-title.com/public/newsletters/17_Feb_11_-_Photography_Film_Video_Feature_Newsletter_0.htm]

En 2010 se pudo ver en Murcia, en el contexto de Manifesta 8 (en ARQUA Cartagena, España), un trabajo de Hassan Khan más interesante "Muslingauze R.I.P.", "un retrato parcial de la realidad social y sublimación de la Inglaterra thatcheriana como producto exótico" [de la Guía de Bolsillo de Manifesta 8].

The work of Hassan Khan, Jewel, is touring the world. He has performed almost simultaneously at the Triennale de Paris and The New Musseum of New York.

Hassan Khan’s video installation Jewel (2010, 35 mm film transferred to HD) opens with a cloud of lights flickering to a soundtrack —produced by Khan himself— of hypnotic drones. But one soon discovers that these lights are not stars or a coastal hamlet at night, but a swarm of hideous fang-faced anglerfish —the elegant sparkling being nothing other than the light emitted from the strange growth on their faces: a lure for prey. As a ferocious beat sets in, the image of the anglerfish freezes and shape-shifts, “fossilizing” as a pattern of lights. The camera pulls out, and the fish pattern is shown to be punched into a revolving object —a totemic sort of disco ball surrogate— around which two men, one younger and one older, each perform a strange dance of desperate flailing, drowning, falling, grabbing, and whipping gestures. It is a spare scene of some kind of sinister, yet perfectly viable Arab subculture collectively reveling in a response to total collapse —one in which dancing, limbs flailing in the air, becomes a powerful and resilient performance of futile gestures. Moving with the ambivalence of marionettes commanded by forces that are not theirs, the work draws to a close with the scene slowly receding into darkness in a single continuous tracking shot. What is it that haunts these men and compels them to act, to move? [extracted from http://www.re-title.com/public/newsletters/17_Feb_11_-_Photography_Film_Video_Feature_Newsletter_0.htm]

In 2010 we saw in Murcia, in the context of Manifesta 8 (in ARQUA Cartagena, Spain), a work of Hassan Khan interesting "Muslingauze RIP", "a partial portrait of the social and sublimation of Thatcherite England as a product exotic "[Pocket Guide for Manifesta 8].

La música añadida es de Susan Frykberg, Astonishing Sense...